FESTLATINO BUENOS AIRES 2009.

“El nombre de las flores”

Directores: Romina Haurie y Juan Alecsovich.

PAÍS: ARGENTINA.

Al inicio, una frase señala que personas y personajes se confunden en el marco de la ficción. Margarita Fioriti es la intérprete y la productora ejecutiva de este film dedicado a sus padres.

De modo similar a “Los rubios” de Albertina Carri, la protagonista es una joven hija de desaparecidos que desea indagar sobre su identidad familiar. Esa búsqueda se lleva a cabo a través de un itinerario por el interior del país y durante ese viaje, Margarita va adquiriendo información sobre sus padres a través de la mirada de los otros. Uno de los personajes que ha sido testigo lejano de ese pasado, le plantea a Margarita que sólo conocía a su madre públicamente, como compañera de militancia. Ella le responde que su relato le sirve para conocer un poco sobre la época, pero este no es el motivo de su búsqueda, ya que se trata de desentrañar la memoria de los allegados para reconstruir la propia. Lo que impulsa al personaje hacia adelante es el deseo de revelación de la propia historia familiar, que trae aparejada la dicha. Margarita se reencuentra con sus juguetes, con un cura anciano que sólo puede devolverle una melodía que la retrotrae a su infancia o con otros personajes que cuentan viejas anécdotas.

Los directores intensifican el disfrute de Margarita a través de la poesía que aflora de la naturaleza. La protagonista reacciona con alegría y con agradecimiento ante cada testimonio. Como no está en conflicto consigo misma ni con su pasado, en ciertos momentos decrece la tensión. Sin embargo, es esperanzador que el cine argentino esté comenzando a revisar el período de la dictadura militar a través de la mirada de los hijos que emplean el cine para recrear el pasado desde una perspectiva menos dolorosa. Están apareciendo los primeros exponentes que permiten que el espectador paulatinamente tenga la posibilidad de revisar un período cruento de la Historia argentina desde nuevos abordajes.

Es una cuidada superproducción de época, basada en obras literarias del escritor boliviano Adolfo Costa du Rels. La acción transcurre en el pueblo de Uyuni y el período que se retrata es el de 1920 a 1940, tal como señala es escritor boliviano Víctor Montoya. Alfonso y Joaquín, dos hombres de clase media que tienen como meta la explotación minera, se enredan con una chola devoradora que quebranta su amistad. Alfonso le reprocha a Joaquín que está encholado y que ha arruinando su vida. El castigo se impone por haber caído en las redes de una mestiza: Joaco llora por su amor y se refugia en la bebida hasta quedar sumido en la pobreza y en la soledad. Pero el pecado no sólo lo engendra la chola Claudina; además está Clota, una mujer chilena que regentea un prostíbulo y que intenta redimirse en la iglesia cubriendo su rostro con un velo negro. En este melodrama, la institución religiosa y las mujeres del pueblo no perdonan y apedrearan a Clota, retrotrayéndonos simbólicamente a María Magdalena como expresión del catolicismo. La naturaleza de la Puna encierra un misterio y también castiga: Alfonso se refugia en la cima de los Andes buscando la fortuna y la aventura, pero la montaña no lo perdona.

Un joven director expresa su búsqueda de la autenticidad como autor y sus dificultades a la hora de hacer cine en su propia ficción. Este es un tema que ya han abordado algunos films del nuevo cine argentino, como “NS/ NC” de Fernando Musa. Considero que aun no se han realizado películas que resulten convincentes sobre este tema. En “El amor es un suicidio” intervienen demasiados personajes cuya psicología no está desarrollada y a pesar de que todos los personajes estén atravesando problemas sentimentales no hay solidez narrativa. Sin embargo, ciertas situaciones son convincentes desde el humor, ya que varias de las conductas de los personajes resultan extrañas. El personaje más aprovechado es el de Lisis, la hija del jefe de Alex, protagonista del film. Lisis es una manipuladora y acosadora inescrupulosa que utiliza el poder de su padre para ponerse de novia. Pese a sus falencias, Farriol logra transmitir su visión personal sobre las situaciones absurdas del amor.

La película es muy osada, porque aborda el tema de la vejez, en tono de comedia. Comienza con la metáfora de una estrella que brilla por última vez y que condensa el sentimiento de Francisco, un científico que ha dedicado toda su vida al trabajo, que debe jubilarse y que quiere acabar con su vida, pero cada vez que intenta suicidarse algo se lo impide. Francisco es obligado a ir de viaje con sus amigos y en esas vacaciones, los ancianos y las ancianas se comportan como adolescentes a la hora de divertirse y de entablar amoríos. Las situaciones de enredo y confusión características de la comedia se entrelazan armoniosamente con algunos momentos emotivos. Las actrices mayores logran destilar sensualidad y se transmite que en la vejez también es posible experimentar pasión por la vida y volver a sentir deseos de amar.

* Enviada especial de Revista Artexto

Marley and me, de qué se trata? Confieso que fui a verla por las críticas de la prensa especializada pero de qué trata verdaderamente esta película? Es sobre la eutanasia perruna o sobre la crisis de la mediana edad o la amistad o la familia o los deseos incumplidos o los deseos cumplidos o quizás de todo eso junto la verdad que me pareció una película sencillamente estúpida y cretina. Marley and me fue una película alabada por la crítica y con un éxito importante en Estados Unidos, no así, en Argentina donde tuvo un éxito relativo a pesar de ser el país de los perros mascota.